Edificios Icónicos que no puedes perderte si visitas Nueva York
Cuando visitas la ciudad de Nueva York, estás siguiendo los pasos de algunos de los arquitectos más importantes del mundo. Asegúrate de no perderte estos ejemplos destacados de su trabajo, que, juntos, han dado forma a la gran ciudad tal como la conocemos hoy.
Sumario:
Edificio Flatiron
El Edificio Flatiron, inicialmente conocido como el Edificio Fuller, fue diseñado por Daniel H. Burnham en 1902. Uno de los rascacielos más antiguos que aún sobreviven en Nueva York, el Edificio Flatiron (originalmente el Edificio Fuller) en la Quinta Avenida es significativo no solo por su apariencia inusual, sino también como uno de los edificios clave en el movimiento clasicista Beaux-Arts.
Su arquitecto, Daniel Burnham, nacido en Nueva York, es más conocido por su trabajo y planes en Chicago que en su ciudad natal. En 1873 formó una sociedad con John Wellborn Root que fue significativa en la creación de un grupo de arquitectos e ingenieros llamado la Escuela de Chicago.
El esquema del edificio de oficinas comerciales, nombrado inicialmente en honor al promotor del edificio, George Fuller, está ubicado en un estrecho sitio triangular en el área de Madison Square Park en Manhattan.
También famoso por ser uno de los primeros edificios en utilizar un esqueleto de acero, está construido en tres secciones horizontales, como una columna griega, y, inusualmente para la época, utiliza ascensores extensos.
El apodo "Flatiron" proviene de su semejanza con las planchas de ropa utilizadas a principios del siglo XX. En su punto más estrecho en la cima de su estructura de 22 pisos y 87 metros de altura, el edificio es increíblemente delgado, con solo 2 metros de ancho.
El Edificio Flatiron, completado en 1902, es un hito popular en el paisaje de Nueva York, tanto que el distrito en el que se encuentra ahora lleva su nombre.
Es un edificio imperdible por su individualismo y como uno de los primeros ejemplos de lo que se convertiría en una forma de construcción urbana dramática y estéticamente muy diferente: el rascacielos.
Edificio Chrysler
Después de la Exposición de París de 1925, el Art Decó estaba en pleno auge. Lo mismo sucedía con el deseo de los ricos patrocinadores de edificios, como el magnate del automóvil Walter P. Chrysler, de tener hitos lo más altos posible para proclamar sus nombres.
La convergencia de ambas tendencias dio lugar al Edificio Chrysler de Nueva York, brevemente el edificio más alto del mundo.
Diseñado por William Van Alen y completado en 1930, la cima de este elegante rascacielos de Nueva York se eleva a unos 319 metros sobre la acera de Manhattan. La torre de 77 pisos fue rápidamente eclipsada en altura por el Edificio Empire State, que abrió un año después.
Se ingresa a través de un lujoso vestíbulo de mármol y acero cromado, y el tratamiento estilístico más notable del edificio es su piedra de color plateado. Su parte superior de estilo Art Decó está decorada con formas semicirculares estilizadas que recuerdan al diseño de tapacubos, junto con gargolas con forma de tapa de radiador y cabeza de águila en el nivel del piso 61.
Como una celebración de construcción sensacional, similar a un camarero quitando la tapa de un plato en un restaurante, la aguja de siete pisos que corona el edificio fue ensamblada primero dentro del edificio, luego izada a su lugar a través de la abertura del techo y asegurada, todo en solo una hora y media. Esto también sirvió para adelantarse a los competidores y asegurar la afirmación de "más alto del mundo".
Van Alen, nacido en Brooklyn, era conocido por sus edificios comerciales muy altos, pero el Edificio Chrysler es el más celebrado. Es una contraposición hábil y hermosa a los rascacielos más rectilíneos que le siguieron, un monumento instantáneamente reconocible que proclama la era del automóvil, la ciudad de Nueva York y el capitalismo corporativo estadounidense.
Edificio Empire State
Estados Unidos pasó la década de 1920 en medio de un auge constructivo. El primer rascacielos se construyó en Chicago en 1885, y las ciudades de la nación habían estado creciendo en altura desde entonces.
Al final de la década, dos de los ciudadanos más adinerados de Nueva York, Walter Chrysler de Chrysler Corp. y John Jakob Raskob de General Motors, compitieron para ver quién podía construir el edificio más alto, dando lugar a dos de las estructuras más icónicas del mundo: el Edificio Chrysler y el Edificio Empire State.
Raskob seleccionó a los arquitectos Shreve, Lamb and Harmon Associates para diseñar el Edificio Empire State. Su inspiración fue un simple lápiz, que colocó en posición vertical, preguntándoles a los arquitectos: "¿Qué altura puede tener para que no se caiga?" Cuando comenzó la construcción en 1930, un colapso en Wall Street ayudó a sumir a Estados Unidos en la Gran Depresión.
Raskob ahora quería que su rascacielos costara la menor cantidad de dinero posible y que tomara un máximo de 18 meses desde el tablero de dibujo hasta la ocupación. El marco de acero subió cuatro pisos y medio cada semana hasta que, después de un año y 45 días, alcanzó una altura de 381 metros, eclipsando al Edificio Chrysler por 61 metros.
A pesar de las restricciones, el arquitecto William Lamb quería crear un edificio hermoso además de alto. Lamb produjo una torre cónica que todavía domina el horizonte de Nueva York. El edificio es conocido en todo el mundo, habiendo aparecido en innumerables películas, incluyendo King Kong y An Affair to Remember. Permaneció como el edificio más alto del mundo hasta 1971.
Museo de Arte Moderno
El Museo de Arte Moderno (MoMA) ofrece una ventana transparente a sus colecciones de arte. El museo, establecido en 1929 exclusivamente para exhibir arte moderno, ocupó tres edificios diferentes antes de abrir finalmente en su ubicación actual.
A pesar de ser una ciudad vital a principios del siglo XX, Nueva York contaba con pocos edificios verdaderamente "modernos" hasta finales de la década de 1930. La mayoría de los rascacielos con estructura de acero, que contribuyen tanto al famoso horizonte de Manhattan, estaban vestidos con disfraces góticos o clásicos.
Aunque al principio era un edificio pequeño según los estándares de Nueva York, el MoMA tuvo un gran impacto mediante una propaganda asidua y, por supuesto, su colección de arte contemporáneo.
El edificio original, bastante pequeño, se expandió con una adición diseñada por el adinerado joven diletante Philip Johnson. Él modificó el museo en 1951 y 1964, agregando el Jardín de Esculturas Abby Aldrich Rockefeller, un patio al aire libre donde los visitantes podían contemplar arte escultórico. Johnson y su mentor, Henry-Russell Hitchcock, realizaron un largo viaje por Europa en 1929, y los edificios que fotografiaron formaron la base de su exposición "El Estilo Internacional" en 1932. El estilo del edificio original del MoMA es un compendio de motivos del Estilo Internacional.
Otros arquitectos intervinieron a medida que las colecciones crecieron y las expectativas de los curadores cambiaron. A finales de 2003, el MoMA reabrió después de una gran renovación realizada por Yoshio Tanaguchi con Kohn Pedersen Fox Associates. El museo volvió a experimentar una gran expansión en 2019 que incluyó una reorganización completa de su colección.
Rockefeller Center
Rockefeller Center es el conjunto urbano cívico y comercial Art Decó más fino del mundo y probablemente el espacio público/privado más exitoso y querido de los Estados Unidos.
Consta de 19 edificios comerciales de altura, forma y propósito variados en un terreno privado de 4.5 hectáreas. Fue concebido como un todo pero permitió la diversidad y el crecimiento.
Completado en 1940 y siendo el único edificio comercial importante de la era de la Depresión en la ciudad de Nueva York, fue la visión de uno de los hombres más ricos del país: John D. Rockefeller. Reunió a un equipo de arquitectos que trabajaron colaborativamente bajo la dirección del arquitecto principal Raymond Hood.
El plan de Hood se asemejaba al de las 13 colonias originales de los Estados Unidos: una federación incipiente de estados independientes que contribuyen a la fuerza del conjunto.
Trece edificios satélites, completados en un lapso de ocho años, sacrificaron altura para consolidar los derechos de aire para el decimocuarto. Estos derechos de aire permitieron que el rascacielos GE/RCA se elevara a 70 pisos y creara un faro insignia.
Este edificio es un bloque de eje estilizado con un perfil estrecho que acentúa su verticalidad. La famosa plaza hundida en la base se conecta con un patrón de edificios y calles que permite que un flujo constante de visitantes entre y salga.
Edificio Seagram
Mientras que la mayoría de los rascacielos en la Avenida Park compiten por espacio, el Edificio Seagram se destaca fríamente de la multitud. Un rectángulo simple sin los retrocesos (recesiones en las paredes hechas para adherirse a códigos de zonificación) que caracterizan a sus vecinos, el Seagram tiene en su lugar una plaza abierta.
Derivado de sus modelos experimentales de torres de oficinas construidas en la década de 1920, el Edificio Seagram, completado en 1958, es la realización del sueño del arquitecto Ludwig Mies van der Rohe de un bloque de vidrio alto.
Aunque el impacto visto en ilustraciones tempranas se ha disminuido un tanto debido a cientos de copias en distritos comerciales de todo el mundo, el Seagram continúa conservando algo de su espíritu original incluso en el bullicio de la Nueva York actual.
En parte, esta calidad se debe al cuidado fanático que Mies dedicó a los detalles del edificio; a menudo se le cita diciendo: "Dios está en los detalles", una adaptación libre de un aforismo de Tomás de Aquino.
Todos los detalles contribuyen al efecto general. Mies pudo construir lo que él consideraba una versión "pura" del rascacielos con estructura de acero.
Parte de ese impacto se debe al emplazamiento cuidadoso; Mies sugirió a Samuel Bronfman, su cliente, que parte del sitio se destinara a una plaza pública elevada frente a la Avenida Park.
En una ciudad donde la tierra es enormemente cara, es una muestra de consumo conspicuo a una escala muy grandiosa. Incorporar la plaza también permitió a Mies evitar adherirse a los retrocesos que forman parte de las leyes de zonificación de Nueva York, lo que le permitió aprovechar el espacio de manera completa e inspirada.
Museo Solomon R. Guggenheim
Frank Lloyd Wright tenía más de 70 años cuando recibió el encargo en 1943 de diseñar un museo para la colección de arte moderno de Solomon R. Guggenheim. Trabajó en el proyecto durante 16 años, hasta su muerte a los 90 años, justo antes de su finalización.
Wright no era fanático de Nueva York, un lugar que consideraba sobrepoblado y sobreurbanizado, así que su diseño es una especie de rechazo a la ciudad de edificios de líneas rectas.
En contraste con sus vecinos, la parte principal del museo es circular en planta y, desde el exterior, se asemeja a un gigantesco embudo blanco que se estrecha hacia su base sobre una plataforma.
La estructura de concreto se vertió y pulverizó en el lugar como si el edificio fuera una escultura masiva. En el interior, Wright propuso una galería donde el arte se colgaría en las paredes curvas de una rampa central que se espiralaba por el edificio hasta un tragaluz.
Los visitantes eran transportados hasta la cima de la rotonda en un ascensor y luego caminaban de regreso por la rampa a lo largo de una pasarela de arte.
Se proporcionaron nichos para exhibiciones separadas, pero incluso allí, las paredes no son planas y, por lo tanto, no son ideales para colgar arte. En 1992, se agregó un gran edificio rectangular diseñado por Gwathmey Siegel & Associates en la parte trasera del sitio para proporcionar espacio adicional, y más convencional, para galerías.
Aunque críticos y artistas siguen divididos sobre los méritos del Guggenheim como museo, sigue siendo uno de los edificios más reconocibles y queridos del mundo.
Museo de Artes y Diseño
Llamado "pavo" en una reseña de 1964 y más recientemente el "urinario más grande del mundo", el pecado de 2 Columbus Circle fue ser diferente.
El exuberante y autónomo Museo de Arte Moderno de 10 pisos de Edward Durrell Stone estaba revestido de mármol blanco de Vermont, perforado para permitir que la luz del día entrara en las esquinas de cada piso.
Más puntos perforaban un patrón de cornisa sobre un curso de ventanas lancetas de dos pisos de estilo inglés Perpendicular. Esta masa sólida pero etérea se sostenía en alto con una arcada estilo morisco, que inspiró a la crítica Ada Louise Huxtable a apodarla el edificio "Lollipop" (piruleta).
El abandono calculado y la posesión vacía contribuyeron al declive del edificio, pero las palabras terminaron por hundirlo. Los términos peyorativos incluyeron "romántico", "ventilado", "bonito" y "excéntrico".
Se dijo que el arquitecto suizo Le Corbusier habría diseñado un edificio más "viril". En 2005, el nuevo propietario, un museo de arte y diseño dedicado a creadores, materiales, procesos y presencia visual, encargó un "rediseño radical".
El arquitecto Brad Cloepfil, conocido por edificios "precisos, cerebrales y sin humor" en lugar de "ediciones" comprensivas, desnudó el edificio hasta su estructura de concreto. Hendijas y un cañón se abren para crear una "estructura iluminada y en voladizo". El espacio utilizable se triplicó.
La arcada de piruletas permanece pero está encerrada detrás de acristalamiento. Miles de azulejos iridiscentes de terracota Royal Tichelaar Makkum recubren las losas. Este acabado permite que la fachada cambie y brille.
Huxtable, que ridiculizó el original como un "trozo kitsch, vaporoso y de la nada", cree que el nuevo Museo de Artes y Diseño muestra "dulces visuales instantáneos". La vibrante década de 1960 ha terminado, pero el edificio de Stone continúa como un valiente "cadáver pintado".
Museo Whitney de Arte Americano / Met Breuer
Entre las mejores obras posteriores del arquitecto de la Bauhaus Marcel Breuer en los Estados Unidos se encuentra el Museo Whitney de Arte Americano, un imponente y bastante brutal edificio en la Avenida Madison de Nueva York, completado en 1966.
Este fue el tercer hogar del museo establecido en 1931 por Gertrude Vanderbilt Whitney para albergar su colección de arte moderno.
Al considerar la forma del nuevo Whitney, Breuer dijo: "Debería ser una unidad independiente y autosuficiente, expuesta a la historia, y al mismo tiempo debería transformar la vitalidad de la calle en la sinceridad y profundidad del arte".
Para lograr este fin, diseñó un edificio altamente escultórico que se proyecta hacia la calle a medida que se eleva, como una zigurat invertida. Las elevaciones están terminadas en granito gris oscuro, y solo una ventana aparece en la fachada frontal, un gran trapezoide que sobresale que aparece nuevamente en seis versiones más pequeñas a lo largo de la elevación lateral.
Los visitantes ingresan al museo cruzando un puente, como un puente levadizo a un castillo, cruzando el patio de esculturas debajo. En el interior, el edificio está organizado con un vestíbulo y restaurante de dos niveles, en los pisos de la planta baja y el sótano, con cuatro pisos de galerías de arte arriba.
Tres propuestas para ampliar el Whitney, de Michael Graves, Rem Koolhaas y Renzo Piano, fueron descartadas a favor de un nuevo edificio principal, diseñado por Piano, en un sitio del centro que se inauguró en 2015.
El edificio de Breuer posteriormente se convirtió en el Met Breuer, pero cerró permanentemente en 2020 durante la pandemia de COVID-19, dejando su futuro, aunque entrelazado con la Colección Frick, incierto.
Misión Permanente de India ante la ONU
Encajando en un sitio incómodo en una estrecha manzana de Manhattan, la delgada torre roja de la Misión Permanente de India ante la ONU es un rascacielos occidental con influencias indias.
Charles Correa, el arquitecto, fue criado en India pero se fue poco después de la independencia para estudiar arquitectura en Estados Unidos.
Al regresar a casa para establecer su propia práctica en Bombay en 1958, Correa desarrolló una visión que fusiona los principios del modernismo occidental con los estilos, materiales, técnicas y necesidades de donde creció.
Aunque gran parte de su trabajo ha sido en India, Correa ha realizado varias comisiones en las Américas, de las cuales esta, completada en 1993, es quizás el ejemplo más llamativo.
Elevándose 28 pisos, la cortina de aluminio rojo que conforma la torre está coronada por un enorme porche al aire libre, alusión a los baresatis en muchos hogares indios.
Dado que la mayor parte de la torre se destina a las viviendas de los empleados gubernamentales que trabajan en sus pisos inferiores, esta referencia es totalmente apropiada.
En la base, un vestíbulo de granito rojo más oscuro se ingresa a través de puertas dobles de bronce, y el porche abierto está pintado de manera llamativa con los colores de la bandera nacional de India.
Rose Center for Earth and Space
Lo que parece una mezcla entre un enorme balón saltarín y un globo secuestrado del desfile del Día de Acción de Gracias de Macy's está atado dentro de un cubo de vidrio de 30,982 metros cuadrados en el borde de Central Park.
Este espectáculo es la esfera Hayden dentro del Rose Center for Earth and Space del Museo Americano de Historia Natural, un planetario reinventado que revierte la vista tradicional "centrada en mí" del universo al presentarnos una economía galáctica de escala en la que la humanidad asume el papel de un simple grano de polvo cósmico.
La esfera es un globo de vidrio purificado "blanco agua", de 26 metros de diámetro, unido con juntas que evitan el pandeo y la distorsión. La estructura del travesaño delgada se revela a través del vidrio.
El enfoque hacia el centro, completado en 2000, asombra al espectador y promete una experiencia aún más grande una vez adentro, pero el ajuste ajustado significa que la escala se aprecia mejor desde afuera mirando hacia adentro.
La forma circular se repite en la entrada del centro, pero está sumergida, por lo que solo aparece un cuarto de su curva en anticipación al globo completo en el interior.
La esfera Hayden alberga un planetario interno y un teatro "Big Bang". Sostenida por una base de trípode, la esfera está envuelta por una serpenteante pasarela "Escalas del Universo".
La esfera guía la comprensión de los tamaños relativos de galaxias, planetas y estrellas, muchos de los cuales aparecen dentro como modelos suspendidos. La arquitectura del Rose Center mezcla elementos industriales de acero y vidrio con toques llamativos, como un suelo negro que parece estar salpicado de polvo de galaxias brillante y un esquema de iluminación que arroja volúmenes de azul en el cubo para crear una atmósfera de club nocturno.
Combinado con una amplia escalera que baja desde el balcón y un ático alcanzado por ascensores de vidrio, este museo demanda tu atención.
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